Adrian Gurvitz (Adrian Curtis por un tiempo), compositor y cantante, nació el 26 de junio de 1949 en Stoke Newington, al Este de Londres, Inglaterra. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 8 años y estudió en ‘The Royal Academy of Music’ de Londres. El padre de Adrian, Sam Curtis (Gurvitz), era manager de bandas de la talla de “The Kinks”, Cliff Richard o “The Shadows”, y esto influyó tanto a Adrian como a su hermano Paul, a que cogieran el gusto a la escena musical y les llevara a cantar y tocar a una edad temprana. Cuando los padres de Adrian se divorciaron, su padre cambió su apellido Gurvitz por Curtis, a Adrian y Paul, Curtis les sonaba más ‘rockero’ y decidieron cambiarselo también, y así lo mantendrían hasta principios de los 70, cuando volvieron a llamarse Gurvitz.

Adrian ya tocaba profesionalmente a la edad de 15 años, teloneando artistas como Billie Davis o Crispian St. Peters, de quién su padre, Sam Curtis, era el manager. Tony Dangerfield, batería de “Screaming Lord Sutch and the Savages”, entró un día en el café-bar ‘Gioconda’ de Londres mientras Adrian tomaba una taza de té, y preguntó si había algún guitarrista. Adrian acabaría contratado para tocar con “The Savages” en Newcastle, junto al pianista Freddy fingers Lee y Johnny Banks de “The Merseybeats”.

En el verano de 1967, Adrian Gurvitz, Dangerfield y Banks entraban en la banda“Rupert’s People”, junto a Paul Gurvitz, por un breve periodo de tiempo. Adrian a la guitarra y Paul a la voz principal, (aunque este último seguía perteneciendo a su grupo “The Knack”). El manager Howard Conder se había quedado sin su banda “Fleur de Lys” debido a un desacuerdo después de grabar el sencillo “Reflections of Charles Brown”. Esta primera formación de “Rupert’s People” solo tocó algunos conciertos en vivo aquel verano, con “Reflections of Charles Brown” convirtiéndose en un hit en Europa. Poco después, Conder, creyendo que estaba perdiendo el control del grupo, los reemplazaría por otra banda.

Adrian Curtis tocaría brevemente, en la banda de Rock Psicodélico británico “Felius Andromeda” , no sin antes disfrutar del éxito del único single del grupo, “Meditations”, a finales de 1967. Uno de los mejores temas Psicodélicos británicos, con una átmosfera gótica en sus coros gregorianos, y donde el órgano de iglesia recordaba mucho al estilo de “Procol Harum” (creadores del hit “A Whiter Shade of Pale”).

The Gun

A principios de 1968, Adrian Gurvitz (quién ya era conocido por su talento), entraba en el grupo “The Gun”, liderado por su hermano Paul en Londres. La banda, de sonido ‘Hard-Rock / Psychedelic Rock’ / crossover progressive, era la continuación del grupo “The Knack”, formado en 1963 en Ilford, Essex y que anteriormente se llamaban “The Londoners”. Tocaban en shows de la escena underground londinense, con artistas como “T-Rex”, “Pink Floyd”, Phil Lynott de “Thin Lizzy”, Brian Jones de los “Stones”, Jimmi Hendrix o Keith moon de “The Who”.

“Gun” tuvo varias formaciones. Con la entrada de Adrian y Jon Anderson como vocalista principal, el grupo se ampliaba a sexteto, aunque la participación de Anderson sería muy breve, formando poco después la mítica banda “Yes” como lider vocalista. El teclista Tim Mycroft abandonaba también “Gun” a su pesar, pero el grupo no estaba ganado mucho dinero. Gearie Kenworthy, el bajista, le seguiría poco después.

La formación se quedaba en trio con Adrian a la guitarra, composición y coros; su hermano Paul Curtis pasaba al bajo; y Louis Farrel a la batería. “Gun” firmaba con la discográfica ‘CBS’ y el productor Mike Smith. Pete King y el famoso músico de jazz, Ronnie Scott, propietarios del famoso club ‘London Jazz’, serían los managers. Estos habían descubierto al grupo cuando hicieron de teloneros en el tour del cantante Scott Walker, quién estaba acompañado por ‘The Ronnie Scott Orchestra’.

En octubre de 1968, llegaban a la cima de los charts europeos con su primer sencillo, “Race with the Devil”, escrito por Adrian Gurvitz. La canción sólo iba a ser un experimento caprichoso, una mezcla de orquesta y Hard Rock and Roll, con potentes riffs de guitarra. Un gran hit que llegó al Nº8 en los charts británicos y Nº1 en la mayoría de los charts europeos y que pasaría a ser considerado como el antecesor de todo el género ‘Heavy Metal’. Jimmy Hendrix tocaría la canción para más de un millón de personas en el Festival Pop de Isle of Wight en 1970. “Race With the Devil” se reeditaría en 1979 y 1982. La habilidad de Adrian Gurvitz para darle forma a lo dramático y su Hard-Rock de alto calibre le habían elevado a nivel de ‘estrella de culto’ en los circuitos del underground británico.

“Race with the Devil” se incluía en su álbum debut “Gun” de 1968. El sencillo “Rupert’s Travels” es un instrumental high-energy, donde Adrian Gurvitz muestra un estilo con influencia de flamenco en guitarra acústica, y “Take Off” ofrece buenas piezas de Adrian. La notoria carátula de este primer trabajo fue diseñada por Roger Dean. Los estilos de este LP y el siguiente van desde el puro Rock and Roll a baladas, llenos de tintes psicodélicos y de guitarra flamenca.

De su segundo álbum, “Gunsight”, de 1969, no tan potente ni popular como el primero, destacan “Head in the Clouds”, algo más Soft-Rock; el blues de “Drown Yourself in the River”; y los toques de flamenco en “Lady”. Ese mismo año, el batería Louis Farrel abandona la formación, sustituyéndole Pete Dunton. Después de su segundo LP, la banda realizó una gira de dos años. “The Gun” fueron considerados como uno de los grupos de sonido más fuerte de todos los tiempos, influyendo a la primera ola del Hard-Rock británico.

“The Gun” nunca superó el éxito de “Race with the Devil”, y por ello decidieron disolver el grupo en 1970. Los hermanos Curtis comenzaron entonces a usar su apellido de nacimiento, Gurvitz. Adrian marcha a Los Ángeles después de que Buddy Miles le pidiera unirse a su nueva banda, “The Buddy Miles Band”, para sustituir al entonces recientemente fallecido Jimmy Hendrix. Adrian, tocaría y escribiría canciones en el tour de dos años que realizó con la banda por USA. La forma de tocar la guitarra de Adrian Gurvitz tenía ahora fuertes influencias Funk y de Blues, pero éste comenzaba a echar de menos la escena musical británica, regresando a Londres.

Three Man Army


A su regreso de USA, los hermanos Gurvitz se unen de nuevo para crear un proyecto de Heavy Rock, “Three Man Army”. En 1971 editaban su álbum debut, “A Third of a Lifetime”, para el sello ‘Pegasus Records’. En el disco trabajaron varios baterías conocidos, incluyendo a Buddy Miles (”Band of Gipsies”); Mike Kellie, (”Spooky Tooth”) Carmine Appice (de “Vanilla Fudge”). El disco contenía una selección de sencillos hard-driven blues, como “Butter Queen”, o el instrumental melódico del mismo nombre que el LP “Three Man Army”.

Para su segundo disco incluyeron en la banda al solicitado batería de sesión Tony Newman, quién gabía tocado previamente con “Sounds Incorporated” y Rod Stewart. Este segundo álbum, editado en 1971 con ‘Warner Bros’, se llamaría “Mahesha”. El título del single “My Yiddishe Mamma” se debe a los orígenes judíos de los hermanos Gurvitz. “Three Man Army” se embarcaba en un tour por USA , para promocionar el nuevo trabajo junto a “The Doobie Brothers”.

Un año después, en 1972, editaban “Three Man Army II”, algo que se prestó a confusión ya que era su tercer álbum. Esto fue debido a que era el segundo álbum que editaban con Newton. En 1973 realizan otro tour junto a “The Beach Boys”. Ahora el sonido del grupo era más fuerte y con más Blues que en su álbum debut, lo que creó comparaciones frecuentes con “Cream” y “Grand Funk Railroad”.

Los complicados y poderosos solos de Adrian Gurvitz le habían dado notoriedad como verdadero genio de la guitarra desde sus dias en “Gun”, y así Chris Welch, de la revista ‘Melody Maker Magazine’ lo describía como uno de los mejores guitarristas de la época, colocándolo como ‘9º Mejor Guitarrista del Mundo’ en su publicación. A pesar de ser una banda elogiada por sus precisos y profesionales conciertos, ninguno de sus discos consiguieron llegar a los charts. Planeaban un cuarto LP, “Three Man Army 3″ cuando Newman se marchó para tocar con David Bowie, por lo que no se llegó a publicar. Sin embargo, el álbum se editaría en 2005.


Baker Gurvitz Army

Adrian Gurvitz y Paul Gurvitz unieron fuerzas en 1974 con el ex-batería de“Cream”, Ginger Baker, para formar“Baker Gurvitz Army”, (”B.G.A.” como les llamaban). Adrian había conocido a Baker, en uno de los conciertos que realizó con “The Buddy Miles Band”.

Su primer LP, “The Baker Gurvitz Army”, de 1974 y publicado bajo el sello ‘Vertigo label’, es un disco con una poderosa mezcla de Heavy y Hard Rock y la inconfundible forma de tocar la batería de Baker. Con este sonido el grupo logró entrar en los charts de UK y USA. La banda se amplió a cinco miembros, alistando a Snips de “Sharks” y el ex-miembro de “Seventh Wave”, Peter Lemer, realizando un tour promocional.

El álbum “Elysian Encounter” se editaba en 1975, con la ilustración del artista Joe Petagno al igual que el primer LP.

Un tercer álbum de “Baker Gurvitz Army” se editaría en 1976, “Hearts on Fire”. Ese mismo año, su manager Bill Fahelli fallece en accidente aéreo. Este hecho y una disputa entre el grupo y la dirección de la discográfica llevaron a la disolución del grupo.




Graeme Edge Band

Entre tour y tour con “The Baker Gurvitz Army”, los hermanos Gurvitz colaboraron con su amigo, compositor y batería Graeme Edge, para crear canciones mientras su banda de Rock Psicodélico “Moody Blues” se tomaba un descanso. Formaron el grupo “The Graeme Edge Band” y editaron un sencillo, “We Like to Do It” en 1974; y dos álbumes, “Kick Off Your Muddy Boots” en 1975; y “Paradise Ballroom” en 1977, que se posicionaron en los charts de USA. Ambos LPs fueron editados como un ‘gatefold’ (carátula-libro), de nuevo por el artista Joe Petagno.

Carrera en Solitario

En 1978, Adrian Gurvitz comienza su carrera en solitario. Su estilo musical cambió completamente de Hard Heavy Rock a suaves y tranquilas melodias. Su hermano Paul colaboró con él desde 1978 hasta 1982 como bajista y en los coros, además de ser co-productor con Adrian.

Su primer álbum, “Sweet Vendetta”, se publica en 1979 con ‘Jet Records’. Un LP Jazz/Pop con bonitas melodias, sus sensibles riffs acústicos, arreglos equilibrados y letras que enganchan. Incluye colaboraciones de los músicos top de estudio de L.A. Jeff, Joe y Steve Porcaro, y David Paich, (más tarde en el grupo “Toto”). Ese mismo año publica el EP “The Way I Feel”, sin gran repercusión. En 1980, edita el LP “Il Assassino” también con ‘Jet Records’, con un sonido suave y melódico como el anterior y un toque de sonido disco de los 80, que tampoco logra éxito comercial.

El éxito llegaría con su tercer disco, “Classic”, grabada en USA con los sellos ‘Geffen Records’ y ‘RAK’. El álbum contenía el single del mismo nombre que el LP, “Classic” que logró un gran éxito y entró en los top ten de UK, siendo la balada más escuchada en Inglaterra y Europa ese año. Una obra maestra de Soft Rock con las conocidas líneas: “Gonna write a classic, gonna write it in my attic”. / “Voy a escribir un clásico, voy a escribirlo en mi ático”.


Adrian Gurvitz tuvo dos hits más: “England we’ll Fly the Flag,” para el equipo del mundial de fútbol de Inglaterra en 1984; y “The Love in Your Eyes” escrita para Eddy Money en 1988.

‘Warner Chapell Music’ contrató a Adrian Gurvitz como escritor en 1989. Adrian escribió el hit, “Even if My Heart Would Break” junto a Frannie Goldie, grabada por Aaron Nevil y Kenny G. La canción aparece en la película y banda sonora de “El Guardaespaldas”. Kenny G. también incluyo el tema en su disco de platino “Breathless”.

El 17 de enero de 1996, Adrian editó un acústico de guitarra con el que consiguió grandes elogios con el nombre de “Acoustic Heart”, bajo el sello ‘Playfull’. Jonathan Widran, de ‘All Music Guide’, se refirió a él como “un músico habilidoso y talentoso compositor”.

El 25 de mayo de 2000 publica el álbum “No Compromise” con el sello ‘Cool Sound Japan’, con la colaboración de su hermano. En abril de ese mismo año, lanza un álbum recopilación con ‘Cool Sound Japan’ de nuevo Adrian Gurvitz - “A Collection of Songs from the Vault”. Los músicos que colaboraron en el disco son: Warren WiebeTony Brock, Brian McCloud, JR Robinson, Doane Perry, Jimmy Haslip, Abe Laboriel, Jennifer Condoer, John Lefwich, Pino Paladino, Tim Pierce, Mike Landau, Kamil Rustan, Robbie Buchanan, Charlie Olins, Lois Jardin, Jean McLain y The Hiss Sisters.

En 2002, Adrian junto a ‘Jive records’ formó una banda de chicas llamada “No Secrets”. Adrian es el padrastro de Carly Lewis, una de las componentes del grupo. Gurvitz escribió el tema “Hot” que fue hit Nº1 en los charts de Billboard. De 2002 al 2005, produjo cuatro discos de oro para ‘Walt Disney Records’. Al mismo tiempo a lo largo de su carrera ha producido a los artistas: Thompson, Frannie Goldie, Charley Midnight, Lauren Christie, y Gerry Goffin.

En 2007, Adrian Gurvitz pasó a componer para la televisión y películas. Uno se sus trabajos más recientes ha sido para el documental ‘Joned Beach’, dirigido por Ron Colby.

Fuentes: Sitio Oficial de Adrian Gurvitz · Adrian Gurvitz en Wikipedia · www.paulgurvitz.com · www.bluedesert.dk/gurvitz.html · www.radiolondon.co.uk . www.artistdirect.com/ - Sobre “Rupert’s People” · www.alohacriticon.com/ - Sobre “Felius Andromeda” · Sobre Adrian Gurvitz en “Savages”

Enlaces:

Discografía de Adrian Gurvitz en rateyourmusic.com

Discografía de “The Gun” en rateyourmusic.com,

Discografía de “Three Man Army” en rateyourmusic.com

Discografía de “Baker Gurvitz Army” en rateyourmusic.com

Discografía de “Graeme Edge Band” en rateyourmusic.com

Mas videos de Adrian Gurvitz

“The Cure” publicaba finalmente su nuevo álbum: “4:13 Dream”, el 28 de octubre de este año en formatos de CD, vinilo, y on-line. Grabado, producido y mezclado en los Estudios ‘Parkgate Studios UK’ por Robert Smith y Keith Uddin. En un principio su lanzamiento se esperaba para el 13 de octubre, (como era la idea del líder del grupo Robert Smith, y había hecho con los últimos lanzamientos), pero la decisión final de la discográfica ‘Suretone Records/Geffen’ prevaleció y el álbum se editaba el martes 28 de octubre por razones de marketing y distribución del producto. Robert y Co. se ‘cabrearon’ con el asunto como se puede ver en la nota que enviaron a la discográfica.

Desde que publicaron su LP Wish” en 1992, “The Cure” ha sacado un álbum cada cuatro años. Esto, añadido al hecho de que su nuevo LP es el 13º, podría explicar su nombre: “4:13 Dream”. En un principio este iba a ser un álbum doble, ya que la banda tenía que elegir de entre 33 canciones. Esa idea fue desechada a principios de este año, y Robert Smith confirmó que este álbum contendría 13 de las canciones más ‘movidas’, mientras que otro álbum con las canciones más ‘oscuras’ se publicará el mismo día del cumpleños de Smith, el 21 de abril de 2009.

Coincidiendo con el lanzamiento del álbum “4:13 Dream”, ese mismo día 28 de Octubre de 2008, se puso a la venta un nuevo tributo dedicado a “The Cure” titulado “Perfect as Cats. A Tribute to The Cure“. El tributo, editado en formato doble, llega desde USA y en el mismo aparecen grupos como “The Dandy Warhols” entre muchos otros. Los beneficios derivados de la venta del tributo irán a parar a la ONG “Invisible Children“.

Robert Smith y “The Cure” elegidos por los lectores de ‘NME’ como ‘el Mejor Líder de una banda’ y ‘La Banda de Rock Más Importante de la Historia’ respectivamente:

Robert Smith fue propuesto por el ‘NME’ (junto a otros mitos como John Lennon, Freddy Mercury, Johnny Rotten, Morrissey, Liam Gallagher, Kurt Cobain ó Mick Jagger, por citar solo algunos ejemplos…), como el mejor ‘frontman’ o líder de una banda de Rock. Y la sorpresa ha llegado cuando, gracias a los votos de los lectores del medio musical británico más importante, Smith se ha alzado con el galardón como ‘The greatest ever Frontman’.

Unas semanas más tarde, el mismo ‘NME’ proponía a sus lectores una encuesta en la que preguntaba cuál era ‘La Banda de Rock Más Importante de la Historia’. “The Cure” se encuentra situado en el Nº1 como la banda de Rock preferida por los lectores del medio británico, por delante de bandas como “The Beatles”, “Rolling Stones”, “Oasis” ó “Sex Pistols” entre muchas otras.

Como reconocimiento a estos galardones y a su nuevo álbum “4:13 Dream“, el ‘NME’ dedicó en su edición digital un Especial con las ‘30 cosas que necesitas saber sobre el grupo’, 30 anécdotas o historias que van acompañadas por excelentes fotos de la historia de la banda.

Además, ‘NME’ ha anunciado que “The Cure” será galardonado en la próxima edición de los ‘Premios NME’ (’Shockwaves NME Awards’) con el Premio ‘Godlike Genius 2009′ a su trayectoria musical, el 25 de febrero de 2009. El “Godlike Genius” es un galardón de reconocido prestigio que el ‘NME’ otorga a las nombres más influyentes de la historia del Rock contemporáneo en el Reino Unido. Después del evento “The Cure” realizará un actuación especial durante la gala que tendrá lugar en el ‘London Brixton Academy’.

Fuentes: www.hispacure.com/blog · thecure.com · www.nme.com

Enlaces:

Post con la 1ª parte de la Bio de “The Cure” + “Boys Don’t Cry”

Web Oficial de “The Cure”

Blog Oficial de Hispacure Fan Club de España

Foro en castellano ‘Hispacure’

Post con “The Forest”

Post sobre el DVD del concierto en ‘Palais Omnisport de París Bercy’

Mas videos de The Cure

‘Poch’ ya tuvo un homenaje en vida en 1991, el disco doble “El Chico Más Pálido de la Playa de Gros”, en el que participaron hasta 20 grupos entre ellos “Siniestro Total”, “Esclarecidos”, “Fangoria”, “Negu Gorriak”, “Gabinete Caligari”, “Glutamato Ye-ye” o “Décima Víctima”.

‘Viva Poch’ ha sido el tributo donostiarra a su paisano de un grupo de artistas como Rafa Berrio, (líder de la banda “Deriva” y ex componente de “UHF” y “Amor a Traición”), Luis Beltza, (dueño y fundador de la mítica tienda de discos donostiarra del mismo nombre, fotógrafo, ex-fanzinero, reportero gráfico en eventos soul y DJ ocasional), Alejo Alberdi (ex componente de “Derribos Arias”, productor musical, defensor coherente por la normalización del Cannabis, y DJ eventual), Mariví Ibarrola, (fotógrafa, periodista y amiga de ‘Poch’, quién retrató con su cámara ‘Nikormat’ la cultura musical y artística, y el video art de los años 80 y 90) o Fermín Muguruza (cantante, instrumentista y productor musical, ex componente de “Kortatu”), entre otros.

El homenaje que comenzó el 20 de septiembre e iba a finalizar el 12 de octubre, se prolongó unos días más, hasta el 20 de octubre y consistió en varias exposiciones, con collages realizados por el propio ‘Poch’ aportados por sus hermanas y una exposición de fotografía de Maribí Ibarrola, desde el primer concierto en ‘Caminos’ hasta los posados en el Metro, las correrías en la playa o las colaboraciones musicales; así como sesiones de disc-jockeys como Alejo Alberdi, Luis Beltza o Ramón Arcaute, y conciertos de grupos como “Puskarra”, Rafa Berrio, “Los Olvidados + J.M. el Magnífico”, “Sanchís y Jocano”, “La Buena Vida”, “Mal de Ojo”, “Roskow”, Julia Cristina (’Cris Monge’) o “Bassmatti”, por mencionar algunos.

«Han pasado diez años de su muerte y algunos sentimos deuda y gratitud con nuestros amigos. No queremos levantar un busto de bronce. Simplemente mantener vivas sus canciones, llorar nuestra propia juventud en ellas y pasar el testigo a la sangre nueva, a las jóvenes bandas de rock’n'roll forever», aseguraba Berrio.

Fuentes: www.noticiasdegipuzkoa.com · www.diariovasco.com

http://vivapoch.es/

Enlace directo a tributopoch.blogspot.com

Discografía de ‘Poch’ en rateyourmusic.com

Biografía de “Derribos Arias” en lafonoteca.com

Reportaje sobre ‘El chico más pálido de la playa de Gros’

Mas videos de Derribos Arias

Enlace al video con actuaciones del Tributo Donostiarra a ‘Poch’

Nancy, la muñeca más vendida de Famosa’, creada por el diseñador Tino Juan en 1968, se convirtió en la reina de las jugueterías, era un referente de la realidad social que empezaba a emerger en España y tenía un precio asequible a todos los bolsillos.

En 1969 empezaron a aparecer sus primeros accesorios. Cuatro años después, en 1973, se puso a la venta un ropero muy completo y un armario de madera, como principales complementos. A lo largo del tiempo, la muñeca fue adaptándose a las modas. Tuvo una hermana, Lesly, a finales de los 70, y algo después, un hermano, Lucas.

Con 25 millones de muñecas vendidas a lo largo de estos cuarenta años, el secreto de su éxito no ha sido otro que ser como una niña normal, con una estética y medidas acordes a la realidad.

Fuentes: www.portaldigital.com.mx

Enlace a blog sobre las Nancys de las cuatro décadas

Mas videos sobre exposición 40 años muñeca Nancy

“Moonlight Shadow” es una canción pop del multiinstrumentista británicoMike Oldfield

Las presiones de ‘Virgin’ seguían siendo igual de impertinentes que siempre y Oldfield tuvo que sacar el álbum “Crises” para calmar las ansias de éxitos pop de su discográfica: «Hemos hecho un trato, ellos tienen una cara de canciones pop y yo otra instrumental», declaró Mike.

Este ha sido su single de más éxito hasta la fecha, alcanzando el Nº1 en España en 1983 donde estuvo 8 semanas, con un total de 22 semanas de permanencia en las listas españolas. El sencillo tuvo gran éxito en toda Europa, alcanzó el Nº4 en las listas británicas y fue Nº1 en Italia, Austria, Suiza durante cuatro semanas, y Noruega durante seis. En Alemania estuvo cuatro semanas en el puesto Nº2 y también entró en las listas australianas en el Nº6. En 1993 se editaba en España y Francia un CD de cuatro temas, con “Moonlight Shadow” de 3:35 y 5:18 minutos, este era un CD promocional para el álbum compilación 1973-1991 “Elements - The Best of Mike Oldfield”.

Enlace sobre Maggie Reilly en mikeoldfieldblog.com ·

Bio

Michael Gordon Oldfield, (nacido el 15 de mayo de 1953 en Reading, Berkshire, Inglaterra), es compositor, músico multi-instrumentista y productor británico. Su música es a menudo detallista y compleja, trabajando estilos que combinan Rock Progresivo, Celtic Fusion, Música Universal o Étnica, Clásica, Electrónica, New Age y más recientemente de Baile. Oldfield es mundialmente conocido por su exitoso álbum de 1973 “Tubular Bells”, que abrió nuevos horizontes como álbum conceptual instrumental y del cúal varios extractos se incluyeron en la banda sonora de la película “El Exorcista” (el más famoso es el de los primeros segundos de la primera parte); otro de sus grandes éxitos fue su single “Moonlight Shadow” con Maggie Reilly en 1983.

Los padres de Mike, Maureen Liston y Raymond Oldfield, eran una enfermera y un médico de cabecera respectivamente. Su padre adquirió una guitarra cuando servía en la ‘Royal Air Force’ en Egipto durante la Segunda Guerra Mundial. Mike recuerda cómo su padre solía tocar la guitarra cada Nochebuena, cantando la única canción que sabía tocar, “Danny Boy”. Mike también atribuyó el hecho de que su interés por la música despertara tan pronto al virtuoso guitarrista Bert Weedon: «Le vi en la tele cuando tenía siete años y enseguida convencí a mi padre para que me comprara mi primera guitarra. De hecho, creo que de no haber sido por Bert, nunca habría llegado a ser lo principal en mi vida». Los Oldfield se convirtieron en una familia ligada a la música: Terry Oldfield, el hermano mayor de Mike, es un compositor de prestigio en el campo de la música para documentales televisivos, y ha realizado importantes aportaciones a la llamada “World Music” con varios álbumes en el mercado; su hermana, Sally Oldfield, consiguió un gran éxito a principios de los 80 con el tema vocal “Mirrors”, y en la actualidad continúa en activo, ambos han aparecido en varios álbumes de su hermano Mike.

Comienzos

A la edad de 10 años, Mike ya componía piezas instrumentales para guitarra acústica. La guitarra era para él más que un instrumento, una vía de escape de una situación familiar que fue empeorando y apartándolo del mundo exterior durante mucho tiempo. (Entrevista a Mike en BBC1 en 2002):

- ¿Cúales eran las cosas del mundo real que te preocupaban, te causaban tormento y de las que necesitabas escapar?

M: La enfermedad de mi madre, desafortunadamente mi madre se puso bastante enferma, debido a una combinación de circunstancias. Un embarazo que fue mal a la mitad de sus 40 y tantos años, y la clase de tratamientos médicos de aquella época, las drogas que le prescribieron eran fuertes barbituricos y somníferos, y fue una situación terrible en nuestro hogar, el cúal, hasta ese momento, había sido maravilloso. los primeros cinco o seis años de mi vida fuimos una familia perfecta, luego descubrí la música y me escondí tras ella. Solía tomar este camino para esconderme de las realidades de la vida.

- ¿Te dio tu madre el amor por la música?

M: ¡Desde luego! Era una mujer maravillosa, era irlandesa y estoy seguro de que es de ahí de donde he sacado la mayor parte de mi creatividad, y algunas otras cosas no tan agradables, como mi afición a la Guinness y cosas así. Ella también recitaba poesía durante horas, poemas irlandeses y era una maravillosa bailarina irlandesa. Podría haber estado en ‘River Dance’.

A lo largo de la década de los 60, la escena musical acústica había gozado de muy buena salud, debido al resurgimiento de la cultura folclórica británica que tuvo lugar en las décadas anteriores. Fue en uno de los muchos clubes dedicados a este movimiento donde el joven Mike empezó a darse cuenta de que su virtuosismo musical era del agrado del público. «Solía tener dos instrumentales de 15 minutos cada uno, que tocaba en los clubes de folk locales en los que iba repasando todos los estilos», decía. «Incluso desafinaba las cuerdas totalmente y las doblaba sobre el mástil y hacía todo tipo de cosas. En cuanto me daban vacaciones en la escuela, pasaba la semana entera practicando y tocando la guitarra». También de adolescente probó con la música Beat, tocando música del estilo de “The Shadows” en un grupo amateur, (a menudo ha citado a Hank Marvin como una de sus mayores influencias, e hizo una versión de la canción “Wonderful Land” de “The Shadows”). Cuando Mike cumplió 13 años, la familia Oldfield se trasladó a Harold Wood (Essex).

(Entrevista “Como se hizo “Tubular Bells” para la revista británica ‘Q’ en 2001):

Algunas partes de “Tubular Bells” se concebieron en mi etapa escolar. Tenía problemas en casa, y la música pasó a ser más real que la realidad misma. Cuando tenía 13 años solía componer piezas instrumentales de guitarra acústica en mi habitación.

(Entrevista en mundomikeoldfield.com traducido del artículo del ‘Times Online’ del 1 de marzo de 2008):

- El niño que creció en contra de sus antecedentes en desarmonía era, me dice, un estudio de contradicciones:

«Era una extraña mezcla, aterrado por todo, pero también temerario. Iba a ser un piloto de RAF hasta que tuve un viaje de LSD y mi vida cambió por completo». La familia de Oldfield se había trasladado a Harold Word, Essex, y regularmente viajaba a Londres para reunirse con sus amigos. Sobre la introducción a los narcóticos, escribe en su libro: «Mi vida tal y como es – Tubular Bells y todo lo demás - no los pondría por detrás de mis experiencias con las drogas, pero ellas me hicieron quien soy, e hicieron la música tal y como es».

Un año después, en 1967, deja la escuela y junto con su hermana Sally forma “The Sallyangie”, un dúo folk de voz y guitarra. El nombre de “Sallyangie” se formó del nombre de Sally y la pieza instrumental de guitarra favorita de Mike,“Angie”, compuesta por Davey Graham. Firmaron por la compañía ‘Transatlantic’, que les editó el álbum “Children of the Sun” en 1968 y el single “Two Ships” en 1969. Realizaron una gira nacional sin mucho éxito. Por esta época el toque de guitarra de Mike fue fuertemente influido por el Folk Barroco popularizado por John Renbourn, líder de “Pentangle” y Bert Jansch.

En 1969 llegó el fin de “Sallyangie”. Mike se aproximó en más profundidad a la música Rock, formando otro grupo de corta vida llamado “Barefoot” con su hermano Terry. En este tiempo escribió una pieza que llegaría a ser el de ‘la sección Piltdown Man’ de “Tubular Bells” años más tarde.

Con 16 años asiste a un concierto donde conoce a Kevin Ayers, (quién había sido miembro fundador de“Soft Machine” hasta 1968), y quién sería una de la mayores influencias para Mike. Kevin le introdujo como bajista en su nuevo grupo Kevin Ayers & The Whole World” . Ayers tras hacerle una prueba con el bajo en la que Oldfield, en lugar de limitarse a acompañar, improvisó una melodía, lo incorporó a su banda. «Kevin Ayers fue la primera persona que conocía que tenía auténtica carisma», escribe en su autobiografía, ‘Changeling’. Ayers no sólo le dio a Oldfield la oportunidad de seguir progresando y aprender mucho en el plano musical, Oldfield cuenta que fue entonces cuando se sintió un músico de verdad.

David Bedford, teclista y compositor de la banda, con estudios en música clásica, enseguida entabló una buena amistad con Mike y lo animó en la composición de la primera versión del que sería su primer álbum en solitario, “Tubular Bells”. (Más tarde Bedford organizaría y llevaría a cabo una versión orquestal de ese álbum).

Desde el comienzo de la banda realizaron un tour por UK, a menudo junto a “Pink Floyd”. En 1970 lanzan el disco “Shooting at the Moon” en los estudios ‘Abbey Road’ que sería el único que grabaría con esta formación. Los estudios ‘Abbey’ tenían una amplia selección de instrumentos musicales, y Oldfield a menudo llegaba pronto a las sesiones para poder experimentar con ellos. Para entonces, Oldfield había pasado de ser bajista a ser el guitarrista principal de la banda, y sus magistrales solos ya le habían dado una notable reputación. El grupo se disolvió en 1971. Ayers publicaría poco después “Whatevershebringswesing” (ya sin “The Whole World”), contando con la colaboración de Oldfield, así como en sus siguientes tres discos. (Entrevista a Mike Oldfield para la revista británica ‘Q’ en 2001):

Cuando la banda se disolvió en 1971, Kevin me dió su grabadora, una de las primeras Bang & Olufsen. Soldando cables y bloqueando el cabezal de un cassette con paquetes de cigarrillos, fuí capaz de grabar en múltiples pistas. El primer demo se convertiría en el tema de apertura de “Tubular Bells”, tocado con un órgano ‘Farfisa’ y que acompañaría a Oldfield en muchas de sus composiciones futuras.

En el estudio de Newman y Heyworth: Tubular Bells

Cuando Oldfield dejó la banda de Kevin Ayers definitivamente, trabajó ocasionalmente como guitarrista de sesión. Uno de esos trabajos lo llevó a la banda de acompañamiento de la producción londinense de ‘Hair’ por 5 £ la noche. Mientras, trabajaba en sus propias composiciones en el apartamento al que se había mudado al norte de Londres. También tocó por un tiempo el bajo en una banda comandada por el cantante de soul Arthur Lewis, con quienes grabaría en el estudio ‘The Manor’. En aquel entonces, los productores Tom Newman y Simon Heyworth estaban terminando de remodelar el ‘Manor’ (Casa Solariega), después de haber convencido a Richard Branson para que lo comprara.
(Entrevista “Como se hizo “Tubular Bells” para la revista británica ‘Q’ en 2001):

Mike Oldfield: Estaba en un estado de ánimo muy inseguro. Tenía problemas con mi familia… probablemente estaba sufriendo una crisis nerviosa.

Tom Newman: Se le llegó a conocer como “el desdichado llorón”, porque él era muy tímido y temeroso, y parecía como si estuviera a punto de llorar. Sólo llegaba a ser sociable después de un par de pintas de Guinness.

MO: Había llevado mis demos a muchas compañías discográficas, pero todos me miraban como si estuviera loco. Decían eso, porque no había voces, palabras o batería… no era comercial, pero a Tom y Simon les gustó, y se las llevaron a Richard Branson.

TN: A Richard no le gustó “Tubular Bells” al principio. No habría salido adelante de no ser por su primo (y futuro co-creador de ‘Virgin), Simon Draper. Richard realmente no tenía idea de música.

En 1972 Simon Draper llamó por teléfono a Oldfield cuando este ya había perdido toda esperanza y le ofreció una semana en el estudio de grabación de ‘The Manor’. La grabación sería todo un reto, ya que nunca antes una persona sola tocaba todos los instrumentos (y eran 20), y tampoco ayudaba mucho la variedad de instrumentos extraños que tocaba Oldfield. No sabían como montarlo ni grabarlo, ya que el equipo del estudio no estaba automatizado y tendrían que hacer todo el trabajo manualmente.
(Gareth Randall entrevista a Oldfield en junio de 1995):

- ¿Consideras que las últimas tecnologías digitales implican trabajar de forma diferente a la hora de unir los segmentos? Hacer Tubular Bells a mano debió ser una pesadilla.

MO: Básicamente es lo mismo, pero en aquellos días hicimos un montón de edición de cintas… en la actualidad alquilamos una máquina y lo editamos digitalmente ¡Que es igual de difícil, en realidad! Hay algo encantador en coger hojas de afeitar y ponerse a seccionar fragmentos de cinta… pero la edición digital hace que el sonido sea mejor.

Una vez la mezcla de “Part One” estuvo terminada se la mandaron a Draper, a quién le encantó. Oldfield se sentía tan a gusto en el ‘Manor’, que se quedó grabando “Part Two” junto a Tom por un periodo de cuatro o cinco meses. De esta segunda parte destaca el pasaje ‘The Piltdown Man’, refiriéndose a su forma de cantar como un hombre de las cavernas, donde Oldfield, (se cuenta que embriagado), grita palabras ininteligibles en medio de una tormenta de guitarras eléctricas. Esto lo hacía Oldfield en rebelión por la imposición de Branson de que hubiera un pasaje vocal, cuando Oldfield quería hacer “Tubular Bells” sin voces. «Cuando terminé» - comenta Oldfield - «estuve dos semanas sin poder hablar; realmente me destrocé la garganta». El diseño de la portada la realizó Trevor Key, un especialista fotógrafo de objetos metálicos.

El título fue lo último a decidir. Richard Branson sugería “Breakfast in Bed”, mientras que Oldfield, que ya se había decidido por “Tubular Bells”, casi tuvo que rogarle para convencerlo. El momento del lanzamiento del álbum fue el 25 de mayo de 1973, que sería también el nacimiento del sello ‘Virgin Records’.

El éxito del álbum fue unánime en todas las direcciones, el público recibió muy positivamente esta nueva música instrumental que combinaba una estructura clásica con instrumentos de Rock progresivo, tanto que el álbum entró en las listas de UK en julio en el puesto Nº2, donde estuvo 11 semanas, para después llegar al Nº1, donde permanecería más de cinco años. La crítica musical y la prensa alababan la originalidad y calidad de la obra. “Tubular Bells” comenzó a venderse masivamente en toda Europa, y en USA se hizo muy popular a raiz de la inclusión de un extracto de 4 minutos en la película de terror de William Friedkin‘El Exorcista’, que sin embargo, se hizo sin el consentimiento del propio Oldfield, pues se trató de una de las estrategias de marketing de Richard Branson. En los primeros años se llegaron a vender 16 millones de copias en todo el mundo, sobre todo en Europa.

El éxito arrollador e inesperado con el que se encontró con tan sólo 20 años, convirtiéndolo en millonario de la noche a la mañana, añadido a su timidez e introversión hicieron que quisiera aislarse del mundo, se negó a asisitir a eventos públicos y a dar entrevistas.

(Entrevista a Oldfield en BBC1 en 2002′):

- ¿Fue ese el detonante que entonces te hizo pensar “No puedo con esto’ y que hizo que te refugiaras en las montañas galesas? ¿Por qué no te compraste un apartamento en Notting Hill y viviste la gran vida?

M: Bueno, fue en aquel tiempo cuando los ataques de pánico empezaron. Cualquiera que los haya experimentado sabrá que son de lo peor, no importa si estás en el más bello jardín con mariposas y pájaros cantando, es algo que te pasa y simplemente te paraliza… Es realmente terrible. La mayoría de la gente toma tranquilizantes o alcohol, yo tomé los dos, pero cuando me curé es cuando fui a un seminario de exégesis a mis veinticinco años. …

- ¿Tu mundo espiritual tiene alguna base u origen religioso?

M: Bueno, mi madre era irlandesa, católica romana. Me educaron en la religión católica. Soy una persona muy sensibilizada espiritualmente y me encantan las iglesias, no importa de que religión. Me encanta cualquier lugar donde la gente enfoca hacía la energía espiritual, simplemente me da paz y me da felicidad. …

Hergest Ridge

Ante la fama desorbitada que había adquirido, se retiró a su nueva casa de Herefordshire, (The Beacon) buscando paz y tranquilidad. La discográfica le presionaba para que compusiera un segundo disco y así comenzó a crear su nueva obra, que más tarde adoptaría el nombre de la cercana colina ‘Hergest Ridge’. Editado en el Reino Unido a finales de agosto de 1974 y coproducido por Tom Newman, “Hergest Ridge”, al igual que su predecesor “Tubular Bells”, era un álbum que contenía un único tema musical, dividido en dos movimientos. De nuevo casi todos los instrumentos fueron tocados por el propio Oldfield. Los demás músicos que contribuyeron en el álbum fueron Sally Oldfield y Clodagh Simmonds (voces), June Whiting y Lindsay Cooper (oboes), Ted Hobart (trompeta) y Chili Charles (percusiones). “Hergest Ridge” tiene un desarrollo musical más sofisticado y también más innovativo en la manera en que construye texturas. El efecto más comentado del disco fue el que un crítico llamó “tormenta eléctrica”, un segmento de la cara-B en el que se interpretaban simultáneamente 95 guitarras eléctricas distorsionadas. El diseño de la portada de nuevo corría a cargo de Trevor Key, aunque a Oldfield le pareció esta vez más floja que la anterior. En ella salen la colina ‘Herdgest Ridge’, donde compuso el músico, ‘Bootleg’ el perro que merodeaba por ‘The Manor’, donde se grabó el disco y (aunque apenas se puede apreciar) un aeroplano teledirigido de Mike, uno de sus pasatiempos para desconectarse del mundo.

“Hergest Ridge” saltaría directamente al número uno de las listas de ventas del Reino Unido el 14 de septiembre de 1974 donde permaneció durante 3 semanas, hasta que fue desbancado por el mismo “Tubular Bells”.

David Bedford sugeriría a Oldfield crear una versión orquestal de “Tubular Bells”. Esta quedaría concluida para ser representado en directo el 5 de noviembre. Se había anunciado la aparición de Mike Oldfield a la guitarra en el ‘Royal Festival Hall’, pero el fallecimiento inesperado de su madre hace que Fred Frith le sustituya. En diciembre de 1974 se presentaron en concierto las versiones orquestales de “Tubular Bells” y “Hergest Ridge”en el ‘Royal Albert Hall’ de Londres. El concierto fue organizado por David Bedford, que dirigió a la ‘Royal Philharmonic Orchestra’ con solos de guitarra de Steve Hillage. En enero de 1975 se editó “The Orchestral Tubular Bells”, aunque la escasa repercusión comercial del álbum llevó a la compañía a ahorrarse la publicación de “The Orchestral Hergest Ridge”. Ese mismo año, un poco más tarde, se presentaron esos mismos arreglos orquestales en conciertos en Glasgow y Newcastle. En Escocia, Hillage tocó las partes de guitarra con la ‘Scottish National Orchestra’, y el solista en la zona noreste fue Andy Summers, el que más tarde fuera miembro de “The Police”.

El sentido del humor que a menudo rodeaba algunos fragmentos de las obras de Oldfield fue nota destacable en “Don Alfonso”, un single que fue editado en marzo de 1975; con la ayuda de Chris Cutler (tambores), David Bedford (voz) y Kevin Ayers (Botellas de vino), Mike contaba la historia de un cómico torero que trabajaba para ‘Oxo’ (Compañía inglesa que vende cubos de caldo de carne).

Ommadawn

Su tercera gran obra de Rock Sinfónico Instrumental, “Ommadawn”, le llevó nueve meses de grabación en su casa-estudio ‘The Beacon’ en Herefordshire, (el único álbum que grabaría allí). “Ommadawn” se editó en el mercado británico en octubre de 1975, siendo criticado y alabado por igual. Sólo el tiempo ha situado este trabajo entre los más maduros de la etapa sinfónica de Oldfield, y por dos razones: se denota en primer lugar la elaborada producción del álbum, con las cuidadas transiciones sobre y entre melodías de la primera parte de la obra, en las que Oldfield reivindica al estudio de grabación como un instrumento musical más de sus creaciones; y en segundo lugar, por la consolidación de la faceta multiinstrumentista de Oldfield, que en esta obra llegaría a utilizar bajo y guitarra acústica, banjo, bouzouki, bodhrán, guitarra española, bajo y guitarra eléctrica, teclados, glockenspiel, arpa, mandolina, percusiones, piano, espineta, steel guitar, sintetizadores y bajosextos (guitarras de doce cuerdas), además de su propia voz. La obra respira influencias celtas y africanas gracias al grupo de percusión africano Jabula y la gaita uileana de Paddy Moloney, líder de “The Chieftains” y se le puede considerar un claro precedente de la llamada ‘World Music’. Al final de la cara-B, antes de “On Horseback”, se puede disfrutar de un solo de guitarra que aseguran, es el mejor sólo de guitarra de Mike Oldfield de toda su larga discografía.

Otros artistas colaboradores fueron Terry y Sally Oldfield, los miembros de la “Hereford City Band” y el solista de flauta dulce Leslie Penning. Penning también acompañó a Mike Oldfield en el single navideño de aquel año, una versión del villancico tradicional “In Dulci Jubilo” que consiguió alcanzar el cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido. Desde aquel momento y durante varios años, Oldfield publicaría un single navideño con regularidad. Como curiosidad, se puede destacar que la obra original contiene un tercer corte no especificado en la carátula, una pieza vocal compuesta por Oldfield y William Murray llamada “On Horseback”. Dicha pieza aparecióen el single de “In Dulci Jubilo” como cara-B, y es el propio Mike quien canta acompañado de un coro infantil. Una primera versión especial de “In Dulci Jubilo”, había aparecido como la cara-B de “Don Alfonso” en marzo de 1975.

Mike Oldfield ya no era sólo objeto de famas pasajeras, ya estaba dentro de la élite del Rock del momento. Ello se observa en las colaboraciones de músicos veteranos que comenzaron a interesarse por el trabajo de Oldfield.

Trabajos previos a Incantations

En 1975 le fue concedido un Premio Grammy a la ‘Mejor Composición Instrumental’ por “Tubular Bells – Theme From The Exorcist” de 1974. Aunque todavía no había regresado de la pequeña gira que estaba haciendo para promocionar “Ommadawn”, Oldfield contribuyó en álbumes de otros músicos a los cuales estaba asociado estilística o personalmente. Su toque de guitarra se puede oír en los discos editados en 1975 por David Bedford, Edgar Broughton y Tom Newman.

El impacto de “Tubular Bells” continuó ‘in crescendo’ en 1975, la popularidad que estaban alcanzando las campanas tubulares fue tal que movió a la empresa que las fabricaba, ‘Premier’, a lanzar a la venta una nueva gama de tubos rígidos metálicos. En los años siguientes, “Tubular Bells” aparecía en versión discotequera por los “Champs Boys”, un grupo de músicos de estudio franceses. Eso fue casi todo lo que se escuchó de la música de Mike en una temporada.

La única novedad de Mike Oldfield en 1976 fue el single navideño de rigor, “Portsmouth”, otra canción tradicional arreglada por Oldfield, con el tema “Argiers” en la cara-B. Llegó al nº 3, un puesto por encima del que había alcanzado “In Dulci Jubilo”. Entre 1976 y 1978 Oldfield se recluyó en su nueva casa de Througham, en Gloucestershire, donde se había mudado justo después de terminar “Ommadawn”. Allí inició los esfuerzos que acabarían con la publicación de “Incantations” más tarde.

En ese ‘impasse’ de tiempo, ‘Virgin’ editó el cuádruple álbum “Boxed” (octubre de 1976), un set que contenía versiones diferentes de sus tres álbumes (“Tubular Bells”, “Hergest Ridge” y “Ommadawn”), y un cuarto disco que contenía singles llamado “Collaborations” con sus colaboraciones en discos de otros artistas, y un extraño tema cantado por el propio Mike y David Bedford llamado “Speak (Tho’ You Only Say Farewell)”. La compilación estuvo 3 meses en las listas inglesas.


En enero de 1977, Oldfield hizo su primera aparición en un escenario en dos años y medio, como guitarrista invitado en una presentación en vivo de la suite de David Bedford titulada “The Odyssey”, basada en la obra de Homero. Sus dos siguientes singles fueron una versión de Rossini, “The William Tell Overture” (febrero 1977) y el otro, “Cuckoo Song” (Noviembre 1977), otro arreglo de una canción folk tradicional inglesa. Ninguno tuvo demasiado éxito.

Un movimiento radical personal cambiaría su vida: su asistencia en el verano del 78 a un seminario londinense a cargo de Robert D’Aubigny, fundador de la ‘exégesis’, donde aprendería los principios de esta terapia, creada para mejorar la autoconfianza.

Incantations

El cuarto álbum de Mike Oldfield, “Incantations” se publicaba en noviembre de 1978. Oldfield lo grabó en su casa de Througham. Poco después de la publicación de “Incantations” se editaba el EP “Take Four” publicado en diciembre. En los años posteriores a “Ommadawn”, el Rock Sinfónico y su grandilocuencia habían perdido interés mundial debido a la llegada del Punk Rock, mucho más accesible para una juventud que reclamaba ídolos a la altura de sus propias posibilidades personales, y sin nada que ver con las superbandas de genios musicales como “Pink Floyd” o “Genesis”. Dentro de su mismo país, el Punk impactó negativamente a Oldfield. Cuando fue preguntado en 1977 por un entrevistador acerca de lo que pensaba de aquella tendencia, contestó: «¿Punk rock? Nunca oí hablar de eso». Tal vez a causa de todo ello, “Incantations” resultó un tanto fuera de tono.

Era el primer doble LP de Oldfield, y consistía en cuatro suites con diferentes movimientos, de nuevo partiendo de sonidos célticos y étnicos a los que se unía una atmósfera legendaria, acrecentada por largos cánticos rituales. Mike daría mayor importancia a la orquesta, pero sin olvidar, por supuesto, sus guitarras. Su hermano Terry colaboró tocando las flautas, al igual que Sebastian Bell, estas junto a los coros toman un papel fundamental en las cuatro partes del disco. Las partes de cuerda y coros estuvieron conducidas por David Bedford. El álbum, introducía más diversidad de coros con Sally Oldfield, Maddy Prior y el ‘Queen’s College Girls Choir’. Las percusiones africanas estuvieron de nuevo a cargo de “Jabula” y los tambores y vibráfono en la Cuarta Parte corren a cargo de Pierre Moerlen. Mike fue el productor y el compositor de toda la obra, excepto en los extractos de “Hiawatha” y el “Himno a Diana”, y además tocó todos los instrumentos, menos la trompeta, que fue tocada por Mike Laird.

“Incantations”, más hipnótico y rítmico, tuvo menos exito que sus predecesores, aunque se mantuvo en los ‘Top 20′ de UK durante 4 meses. Varias pistas que al final no se incluyeron en “Incantations”, y porciones de “Tubular Bells” y “Portsmouth”, fueron usadas en la banda sonora de ‘The Space Movie’, un documental de Tony Palmer para la televisión que celebraba el décimo aniversario del aterrizaje en la luna en julio de 1969 por astronautas estadounidenses.

Por esta época, Mike concedió numerosas entrevistas para promover el álbum y hablar de su radical cambio de personalidad, producido principalmente por su asistencia a los seminarios basados en la ‘exégesis’. Gracias a esta creyó haber descubierto el lado más positivo de su carácter. En una entrevista de aquella época dijo literalmente, «he experimentado lo que podría describir como un ‘renacimiento’, que me ha ayudado a profundizar en mí mismo y en la naturaleza humana. He empezado de nuevo».

Fin 1ª Parte …

Fuentes: Biografía en tubular.net · Biografía en artículo de ‘Virgin’ en tubular.net · mikeoldfieldblog.com · es.wikipedia.org/ · en.wikipedia.org/